Siglo XXI: PerspectivaS DE la Danza
 
Aprendí que en mi país, hay un grupo de gente —conocido como la derecha religiosa— a la que lo sensual no le gusta para nada. Estas personas ejercen presión sobre los gobiernos locales que regulan lo que se puede y no se puede ver.

Judith Lynne Hanna| EE.UU.

El Sr. Abelo me ha invitado a hablar con ustedes sobre los desafíos que la danza enfrentará en el siglo XXI. Creo que nuestro reto principal será mantener la innovación continua que exige la estética occidental. No soy una vidente profesional, pero me parece que el siglo XXI partirá del hecho de que el siglo anterior llevó grandes cambios a la danza. Por eso, quizás nuestra pregunta debe ser: ¿podemos llegar más allá de las novedades incorporadas a la danza durante los últimos cien años?

Para comenzar, quisiera contarles cómo pude llegar hasta aquí y compartir con ustedes en La Habana mis perspectivas sobre los desafíos de la danza en el siglo XXI.

Segundo, quisiera comentar sobre algunos cambios en la sociedad que tuvieron un gran impacto en la danza del siglo XX.

Tercero, quisiera destacar algunas de las innovaciones que surgieron a lo largo del siglo pasado.

Y por último, hablaré sobre aquellos desafíos adicionales que enfrentará la danza en el futuro, especificamente: el dinero, el entrenamiento, la promoción personal de los bailarines, las oportunidades para la crítica, el desarrollo del público, la danza en el mundo académico, la censura y la conservación de la danza.

I.¿Cómo fue que llegué hasta La Habana para poder compartir con mis colegas y amigos algunas perspectivas sobre estos desafíos?

A-   Comencé a estudiar ballet en 1946 cuando un pediatra les dijo a mis padres que el ballet me fortalecería los pies planos. No creo que la danza me haya ayudado mucho en ese sentido, pero, en cambio, me hizo más fuerte física y mentalmente.

Varias personas contribuyeron a mi formación: mi padre era violinista y tocó para el Ballet Russe de Monte Carlo cuando este vino a los EE.UU. Después fue miembro de la orquestra sinfónica de San Luis, Misouri y de La Ópera Cívica de la misma ciudad. Una bailarina que había abandonado a la Compañía de la Ópera Cívica porque tenía alergia a los cosméticos daba clases de danza a sus miembros. Mi madre, una pianista, tocaba durante estas clases a cambio de que yo también pudiera tomarlas. Cuando nos mudamos a Los Ángeles, la gente creía que mi familia lo hacía para ayudarme a avanzar en mi carrera profesional. Pero la verdadera razón por la que nos fuimos era porque mi padre podía ganar más dinero con la orquestra cinematográfica de la Twentieth Century Fox.

Mi padre trató de disuadirme de perseguir una carrera profesional, diciéndome que a las bailarinas no se les trataba muy bien. Además, yo tenía demasiados intereses como para poder enfocar todas mis energías en formarme como bailarina.

B-   Estudié muchas formas de danza: moderna, afro-caribeña, haitiana, jazz, hip hop y danza folklórica. Hasta el día de hoy, llevo cinco clases de danza por semana que incluyen: swing, flamenco y danza oriental.

c-   He aprendido, además, varias lecciones pertinentes para una mayor comprensión de la danza.

1. En la universidad, tomé cursos sobre la opinión pública, la propaganda y los métodos audiovisuales empleados por los profesores en sus clases. Ambos cursos me enseñaron que la gente aprende más cuando ejerce todos los sentidos. El movimiento siempre llama la atención, y la danza abarca varios sentidos a la vez.  Luego, fui profesora de escuela secundaria.

2. Unos pocos años después, hacía investigaciones sobre la danza. En 1963, descubrí que en África, la danza sirve para divertirse, y también para aprender sobre el noviazgo, la religión, la política y la educación. Por ejemplo, a través de la música y el movimiento, la danza nos enseña cómo ser una buena esposa o un buen marido, o incluso, un jefe político.  

3. Para mi doctorado en antropología, llevé cursos en cada uno de los cuatro campos de esta disciplina (cultura, arqueología, física y lingüística). Traté de descubrir cómo cada curso podía relacionarse con la danza. Lo más importante para mí fue aprender cómo la danza se parece al lenguaje. Cada género tiene su propio vocabulario, significado y gramática. Y la danza también emplea la metáfora. El cuerpo humano se mueve en el tiempo y el espacio, y con el esfuerzo, los disfraces y la música, ofreciéndonos una metáfora muy poderosa. La danza puede reflejar lo que es y sugerir lo que sea.  Por ejemplo, puede representar el comportamiento de los animales para así hacer un comentario sobre la vida humana.

4. Aprendí que, como un diamante de quilates radiantes, la danza luce hermosa y al mismo tiempo, vale mucho por su dureza instrumental. La danza es un método para aprender, conocer y expresarse. Las instituciones de la comunidad, la religión y el gobierno han empleado la danza como método de comunicación. Más antigua que las ciencias y humanidades, la danza sigue siendo una buena vía de descubrimiento.

5. He escrito seis libros y casi 300 artículos sobre mis investigaciones con respecto a la danza.  Las preguntas que estos suscitan me dirigen hacia nuevas investigaciones.

6. Periódicamente, soy profesora universitaria. He trabajado para el Departamento de Educación de los EE.UU. en el campo de las artes. Estos trabajos me han enseñado lo que piensan muchas personas sobre la danza.

7. La siguiente etapa comenzó cuando Dance Magazine me pidió ser una crítica de la danza.

8. Entonces, en 1995, empecé a dar testimonio ante los tribunales como experta de comunicaciones y danza en casos relacionados con la Primera Enmienda a la Constitución de los EE.UU., es decir, con la libertad de expresión. Doy testimonio contra la censura de la danza.

Aprendí que en mi país, hay un grupo de gente —conocido como la derecha religiosa— a la que lo sensual no le gusta para nada.  Estas personas ejercen presión sobre los gobiernos locales que regulan lo que se puede y no se puede ver.

Además, aprendí que algunas danzas del pasado que causaban escándalos públicos ahora se han convertido en formas clásicas, alentando así el desarrollo de la danza. Si estas formas de danza hubieran sido censuradas, nuestro repertorio sería menos vibrante y variado.

II.   Durante el siglo XX, cambios importantes en la sociedad tuvieron un impacto en la danza teatral.

A.  Después de quinientos años de ballet, creció la participación en la danza artística teatral.

1. La realeza europea dominó el ballet hasta que la burguesía evolucionó y participó en él.

2. Con la revolución industrial, la importancia del cuerpo masculino disminuyó porque las fábricas asumieron la carga del trabajo. Las mujeres dominaban el escenario del ballet, donde los hombres les devoraban con la mirada, eligiendo a alguna como amante posible. Los teatros aceptaban a los homosexuales.

3. Junto con la danza, los teatros, que antes tenían una mala reputación, se vuelven respetables en el siglo XX.

Durante la primera parte del siglo XX, las hijas de familias respetables se educaban como bailarinas de danza moderna. Por ejemplo, los parientes de Ruth St. Denis y Martha Graham fueron médicos.

Cuando llegó la revolución sexual en los años sesenta, había más aceptación y exhibicionismo del cuerpo tanto como diferentes representaciones del amor. Había desnudez en las danzas de, por ejemplo, Anna Halprin, Hans van Manen, y Bill T. Jones. En la obra de Jones Last Supper at Uncle Tom’s Cabin/The Promised Land, había 50 bailarines desnudos en escena.

Para cuando el bailarín Rudolf Nureyev llegó a obtener ingresos de seis dígitos, el ballet se había vuelto más atractivo para los hombres. Además, había mucha publicidad sobre el bailarín como atleta.

4. Los negros comenzaron a entrar al ballet. Arthur Mitchell, un bailarín del Ballet de la Cuidad de Nueva York, fundió el Teatro de Danza de Harlem para darles una casa profesional a los negros que se habían entrenado en el ballet clásico.

B.  Los avances tecnológicos también influyeron en la danza:

Los coches y los aviones facilitaron las giras.

El cine de sonido y color, la televisión y las computadoras permitieron un mejor registro de la danza tanto como la posibilidad de cambiar de ideas y aprender.

Las computadoras permiten tanto la danza virtual como una manera de crear nuevas danzas. Con la realidad virtual, pueden elaborarse más los escenarios, los disfraces y los accesorios, y de manera menos costosa.

La globalización y la exhibición diversificada estimulan la creatividad tanto como la homogeneidad.

Los nuevos métodos de construir zapatillas ofrecen mayores posibilidades de movimiento.

C.  La danza comenzó a ser un programa de las universidades en 1926. Ahora, hay competencias entre estudiantes de diferentes universidades que fomentan una mayor calidad en la danza. Se enseña en todos los niveles escolares, desde las escuelas de kindergarten hasta las preparatorias, y las compañías de danza dan exhibiciones y lecciones en las universidades y escuelas.

D.  La ciencia de la danza medicinal estimuló un mejor entrenamiento, carreras profesionales más largas, y una mayor proeza física.

E.  Las competencias y los concursos internacionales desarrollaron y fomentaron una danza de mayor calidad.

F.  Hubo desafíos a la censura en la danza. Los bailarines fueron a los tribunales para protestar el hecho de que el gobierno les negara fondos públicos por su presunta inmoralidad. Los bailarines han sido artísticamente concienzudos, luchando por organizaciones políticas, educando al público, y tratando de hallar jefes políticos y mecenas que los apoyen.

III.   Las innovaciones del siglo XX

El pasado es una línea de fondo. Resumiremos ahora algunas de las innovaciones del siglo XX en la danza artística teatral. En gran parte, pienso enfocarme en los eventos de mi país, los EE.UU.

El descontento con los elementos estilísticos de la danza, sus entrenamientos, y las prácticas de una época específica a menudo fomenta algo nuevo. El siglo XX fue testigo de diferentes ideas de lo que debe ser la danza. Los modernistas desarrollaron lenguajes separados y los tradicionalistas experimentaron con formas distintas. Había dicotomías entre la forma y el expresionismo, la narrativa y las danzas sin trama, la convención y la innovación, la danza con música y la danza sin música.

A.  Señalaré algunos ejemplos en el ballet.

1. Michel Fokine fue el coreógrafo y teórico más importante del ballet durante la primera parte del siglo XX. El creó Les Sylphides, Schéhérazade, Firebird, Petrouchka y Le Spectre de la Rose. Creía en la integración del cuento, la danza y la música.

2. Vaslav Nijinsky fue un bailarín virtuoso, formidable. Él coreografió L’Après-midi d’un Faune, Jeux, Le Sacre du Printemps y Till Eulenspiegel. Negó la tradición clásica y fue el primero en retratar una sexualidad despierta, empleando posiciones frontales y brazos angulares.

3. Anna Pavlova, una bailarina excepcional, introdujo el ballet al público de todas partes del mundo. Fue la primera artista global.

4. Léonide Massine introdujo el cubismo al escenario con Parade.

5. Jorge Balanchine fue una persona fundamental para el ballet. Fundó y mantuvo una escuela de ballet además de lo que era en aquel entonces la primera compañía de ballet en América. Así creó un modo de llevar las tradiciones europeas del ballet clásico al Nuevo Mundo.

Balanchine se enamoró de todo lo que era americano. La música, los vaqueros y las muchachas, muchas de las cuales convirtió en bailarinas primas.  Fue amante de cinco de ellas. Se sentía en casa en los grandes teatros del mundo, en Broadway y hasta en el circo: Balanchine coreografió una danza con 14 elefantes para el Circo Ringling Brothers.

Un ruso en América, Balanchine renegó las reglas del ballet. Hizo más aerodinámico el vocabulario académico, introduciendo la velocidad, los ballets sin trama, el movimiento y el equilibrio poco convencional. Pasó del tutú a la túnica.

Balanchine pensaba que la danza es tan imperiosa, que puede mantenerse de pie, sola y sin ayuda. Creó un nuevo tipo de ballet, que a veces se llama abstracto, pero lo más correcto sería llamarlo sin trama, por ejemplo: The Four Temperaments y Concerto Barocco.

Balanchine introdujo una estética nueva para las bailarinas: el cuerpo delgado, las piernas largas con una fuerza y una velocidad sobrehumanas, la extensión y los vueltos extremos de las piernas, y el moverse en pointe como un cuchillo.

Sus seguidores desarrollaron excelentes compañías y escuelas.

6. Jerome Robbins coreografió musicales para Broadway, como por ejemplo West Side Story, y también ballet, como por ejemplo Fancy Free, Dances at a Gathering y Watermill. Robbins nunca repitió un tema que ya hubiera explorado. Sus temas trataban sobre las relaciones entre personas y lo perteneciente a los americanos urbanos. El introdujo el minimalismo de Philip Glass al público establecido.

Su danza The Cage (La jaula), considerada machista, fue controvertida. La ciudad de la Haya, en los Países Bajos, prohibió la presentación de esta danza —en que arañas femeninas matan a sus amantes despúes de copular con ellos— bajo el pretexto de que era pornográfica.

7. Maurice Béjart, con su Ballet Béjart del Siglo XX, fue conocido por integrar lo extático, lo erótico y lo extravagante en su coreografía.

8. El Teatro de La Danza de los Países Bajos fue la primera compañía en tener clases modernas regulares. El coreógrafo Hans van Manen empleaba la gimnasia, las artes marciales, el movimiento cotidiano, el ballet y la danza moderna. Sus coreografías tenían algo de comentario social e insistían siempre en la naturaleza sexual del cuerpo. Su Mutations incluye un duo con cuerpos desnudos.

El checoslovaco Jirí Kylian coreografiaba la alta energía, el espacio ingenioso, los puestos en rodillas pivotales e irregulares, y las danzas sin trama pero llenas de emoción.

9. William Forsythe, director artístico del Ballet de Frankfurt, innovó a través del expresionismo, las imágenes pospunk, y el ataque atlético en su coreografía.

10. Los bailarines dotados también introdujeron innovaciones: Rudolf Nureyev cambió la imagen del bailarín con su virtuosidad muscular y masculinidad. Otros bailarines importantes incluyen: Mikhail Baryshnikov, Fernando Bujones, Carlos Acosto, Mañuel Carreño y Rolando Sarabia. Por otra parte, había bailarinas como, por ejemplo, Ana Pavlova, Maya Plisetskaya, Natalia Makarova, Suzanne Farrell, Gelsey Kirkland y Alicia Alonso.

11. Casi cada compañía lleva una producción del Cascanueces al escenario durante la Navidad. Es muy popular y produce dinero para las compañías.

12. Los ballets con el nombre Trocadero son novedosos. Los hombres interpretan los papeles clásicos de hombres y mujeres.

B.  La danza moderna fue una innovación.

Al comienzo del siglo XX, la infelicidad con los grandes espectáculos, la creencia que las bailarinas eran prostitutas virtuales, y el mundo del ballet con su dominación masculina, sus reglas y su tiranía de girar las caderas, las rodillas, y los tobillos, su exigencia de entrenamiento, y su coreografiá llevaron a la danza moderna con su expresión personal y espiritualidad. Generalmente, los coreógrafos eran las estrellas de sus danzas. Siguen algunos ejemplos de la innovación en la danza moderna.

1. Loie Fuller inició la presentación de la nueva bailarina independiente. Creaba sus espectáculos de luz en lo que se llama la danza “estética” o “descalza”.

2. Isadora Duncan, muchas veces conocida como la madre de la danza moderna, se inspiraba en la civilización griega. Ella desafiaba las normas sexuales, bailaba a la música clásica, bailaba descalza y con un vestido que revelaba su cuerpo. Escandalizaba al público y fue llamada una amenaza a la nación por algunos religiosos puritanos.

3. Maude Allan provocó un escándalo con su Salomé sensual, y las mujeres tenían fiestas solo para ellas donde la imitaban.

4. Ruth St. Denis se inspiraba en el Oriente, y su compañero Ted Shawn promovía a la figura del bailarín.

5. Martha Graham creaba danzas muy emotivas, psicológicas y profundas. El estilo de su movimiento consiste en la contracción y la relajación y movimientos angulares. Empleaba temas de la mitología y los desafíos que enfrentan las mujeres.

6. Erik Hawkins, el marido y pareja de Martha Graham, la dejó personal y profesionalmente para luego coreografiar un movimiento fluido, claramente articulado, tanto como un movimiento sin límites en sus danzas armoniosas y poéticas.

7. Rudolfo Laban bailaba, coreografiaba, y organizaba compañías de danza, pero aún más importante, desarrolló teorías del movimiento y generaba escuelas de Labanotación en muchos países. Se interesaba por la relación entre el movimiento y los estados psicológicos. Fue controvertido porque colaboró con los Nazis y no permitió que los judíos bailaran en su escuela o compañía de danza en Alemania.

El historiador de la danza George Jackson dice que “Cuba fue la puerta a Norteamérica y Sudamérica para los bailarines que huían de Hitler, Mussolini, Franco, y la segunda Guerra Mundial en Europa; no solamente los bailarines del ballet, pero también los de la danza moderna de la Europa Central. Cuba tenía una política de inmigración más abierta en comparación con otros países del hemisferio occidental”.

8. Katherine Dunham despertó a las raíces artísticas de los negros en África y el Caribe. Ella desarrolló un entrenamiento para la danza de estos lugares.

9. Alvin Ailey halló inspiración en los temas de la cultura negra, especialmente lo extático de la iglesia negra. Su danza “Revelations” le ganó reconocimiento por todo el mundo.

10. Alwin Nikolais creaba movimientos, telones del fondo, accesorios del teatro y música para su coreografía. Su teoria de la metáfora trastocó el egocentrismo de la danza moderna.

11. Desde 1957, Paul Taylor ha creado un cuerpo de trabajo con el poder real de estar vivo. Trata sobre temas oscuros y horribles con un tono ligero y a veces gracioso para representar la complejidad de la experiencia humana.

12. Twyla Tharp emplea bailes populares y dinámicos que varían desde lo completamente relajado hasta estocados lo poco convencional, patadas de pierna abierta, caídas en espiral y cambios de rumbo abruptos, tanto como deslices, hombros redondeados, y brazos ligeros.

13. Bill T. Jones es un bailarín/coreógrafo negro, homosexual y VIH positivo. Emplea temas autobiográficos que tratan sobre el racismo, la vida y la muerte.

Su unión del arte y la vida audaz alcanzó su cumbre en Last Supper at Uncle Tom’s Cabin/The Promised Land, un diálogo de tres horas sobre el sufrimiento y la fe.

14. Pilobolus Teatro de la Danza es una colectiva de bailarines que divide la responsibilidad de su coreografía. Sus movimientos son gimnásticos, con figuras esculturales cómicas y poco convencionales.

15. Martha Clarke, una de los fundadores de Pilobolus, salió del grupo para crear un teatro con imaginería. Su Garden of Earthly Delights consiste en un viaje por el mundo fantástico del pintor Hieronymus Bosch.

16. La innovación vino también de las compañías israelitas Batsheva y Inbal Pinto, tanto como las brasileñas.

C. Por lo general, la rebelión contra la danza moderna en la década de los sesenta se llama danza posmoderna. Volcó los conceptos de lo que la danza debe ser, borró los límites entre el arte y la experiencia vital, otorgó una sensación de inmediatez y empleó estrategias de monotonía y repetición.

1. Merce Cunningham creaba danzas cuyos movimientos y frases seleccionaba al azar con el tiro de una moneda. Coreografiaba danzas independientemente de la música. Sus bailarines se concentraban para que la música no les distrajera. Cunningham experimentaba con el movimiento por el movimiento. También creaba danzas con la computadora.

2. Pina Bausch buscaba crear lazos con su público a través de movimientos que provienen del lenguaje del cuerpo y de la experiencia, las actividades cotidianas exageradas, las imagenes alegóricas y el texto hablado. Retrataba los efectos debilitantes de los estereotipos sexuales y los traumas sociales.

3. Meredith Monk creaba efectos teatrales, fantasías poéticas, imágenes gruesas y ambientes oníricos, muchas veces en espacios poco convencionales. Evitaba la virtuosidad en el movimiento. Monk componía su propia música y cantaba o gritaba en un registro vocal muy particular.

4. Elizabeth Streb se enfoca en la velocidad, simulando el riesgo asociado con el esquí. Sus bailarines caminan sobre cuerdas, saltan de plataformas, y golpean sus cuerpos contra paredes acolchonadas.

5. El teatro de danza expresionista Butoh se rebeló contra las tradiciones de occidente y del Japón. Los bailarines se afeitan la cabeza y pintan sus cuerpos de un blanco que hace contraste con el escenario oscuro. Butoh retrata los temas de la angustia y la humanidad primitiva con un ritmo muy lento.

D.  La danza improvisada, los movimientos o las decisiones coreográficas que no se determinan antes de bailar, pueden verse como una reacción al ballet, la danza moderna y la danza posmoderna. Participar en una danza improvisada puede constatar una forma de resistir y reducir el estrés de las relaciones jerárquicas entre profesores y estudiantes, la ideal autorizada de un estilo particular de danza y el sistema de estrellas en la danza.

E.  La revista burlesca se evolucionó gradualmente en los llamados “clubes de caballeros” hasta mostrar una desnudez total.

La danza conocida como danza erótica, striptease, table dance, o lap dance, cumplió eficazmente con el desafío de la estética occidental de explorar lo que se consideran zonas prohibidas para hallar algo nuevo. Ahora, sus movimientos de sexo simulado pueden apreciarse en muchas formas de danza.

F.  Otras formas nuevas de la danza también surgieron en el siglo XX, como por ejemplo el baile de salón, el jazz, el hip hop, la danza en la cine (Busby Berkeley, Fred Astaire, Gene Kelly, Donald O’Connor), y el tap.

Muchas de las nuevas danzas sociales que se desarrollaron a lo largo del siglo XX entraron en el repertorio de la danza artística teatral, desde el swing hasta el hip hop o los bailes de América Latina.

G.  También aparecieron nuevos temas: el feminismo, la inversión de los papeles sexuales, el amor homosexual, la identidad nacional y la guerra.

1. China criticaba el antiguo régimen político y la pobreza a través de la belleza y la calidad encantadora de la danza. Por ejemplo, White Haired Girl representa una muchacha campesina bella y joven quien fue torturada por un terrateniente malvado y su familia hasta que pudo escapar a las montañas, donde su pelo se volvió blanco. Los campesinos se unen y triunfan al final.
 
2. En la Unión Soviética y Cuba, las escuelas y compañías de danza fueron reconocidos internacionalmente, convirtiéndose en símbolos de excelencia para esas naciones.
 
3. En 1932, Kurt Jooss coreografió un ballet en contra de la guerra, The Green Table, con el objectivo de motivar a la gente a actuar conforme a su consciencia. La danza representa la duplicidad de los diplomáticos, el paso a la guerra, la convocatoria de las fuerzas militares, su entrenamiento, el viaje a la batalla, una batalla, un burdel, los refugiados sin rumbo y la muerte.

IV. El desafio más importante para la danza en el siglo XXI es la innovación.

A.  La innovación.

1. Un problema es que demasiada innovación, si llega a reemplazar gran parte de lo que ya existe, puede enajenar a los espectadores.

2. Además, existen conflictos entre el papel del creador como único e independiente versus el del solitario y fuereño, del interrogador versus el alborotador, del flexible versus el no comprometido.

B.  La economía de la danza es otro enorme desafío.

1. “El desafío de los bailarines del siglo XXI es el dinero, el dinero y el dinero,” dice Rebecca Wright, bailarina, coreógrafa y directora de la Escuela de Ballet de Washington.

2. Negla Yasim Yatkin, una bailarina de danza moderna, habla de “la presión de estar produciendo constántemente, de estar visible todo el tiempo para obtener la beca siguiente, es lo vital y lo adictivo del proceso artístico. Mas la danza requiere tiempo, reflexión y experimentación. El cuerpo aprende mucho más lentamente que el cerebro. Tardan en trasladarse los conceptos al cuerpo.”

3. En los EE.UU., la iniciativa privada sostiene a la danza, aunque ayudan un poco las subvenciones del gobierno a nivel federal, estatal y local.

Durante los 70 y 80, el Legado Nacional Para las Artes (NEA) sostenía moderadamente a los artistas individuales, las compañías y los presentadores, basándose en la aprobación de colegas para otorgar becas.

Con la estampa de calidad del NEA, llegaban becas parecidas de otras partes, por ejemplo, de gobiernos estatales y locales, de fundaciones, de mecenas y de consejos para las artes. Pero ahora la economía es mala, y hay menos dinero para la danza.

En los 90, los conservadores religiosos atacaron y trataron de eliminar al NEA por su apoyo a la vanguardia.

La derecha religiosa se enfureció por las fotografías homoeróticas de Robert Mapplethorpe tanto como las de Andrés Serrano, que incluían la imagen de un crucifijo bañado en el orina del artista. Se descontinuaron las becas individuales, lo cual hizo daño a la danza también. Ahora existe por otra parte un elemento de autocensura en la danza.

4. Un futuro económico difícil espera a las organizaciones artísticas medianas, según la empresa de investigación Rand Corporation (julio 2001).

5. Los ingresos de los bailarines y la corta duración de su carrera profesional también son desafíos. Los bailarines ganan menos, trabajan menos semanas cada año, y enfrentan un mayor desempleo que el de otros profesionales con un nivel de educación parecido.

La presencia de superestrellas del sector comercial polariza los ingresos de los bailarines (la eventual superestrella gana millones de dólares cada año, lo cual incluye su sueldo además de sus inversiones privadas y los ingresos de las funciones que da como artista freelance invitado) mientras que el artista típico gana poco más que el salario mínimo.

6. Algunos países subvencionan grandes o pequeñas compañías o escuelas de danza. Los gobiernos mantienen a los bailarines como funcionarios del estado, con sueldos, pensiones y respecto por toda la vida. La antigua Unión Soviética, China, Francia, Suecia, Dinamarca y Cuba se encuentran entre los países donde la danza es sostenida por el gobierno.

Hoy día, el grado de mantenimiento estatal de las compañías de danza se ha disminuido. Por ejemplo, el Kirov y el Bolshoi tienen que ganar dinero haciendo giras en el extranjero. Tienen que atraer fondos privados para afianzar sus mayores gastos, como por ejemplo las nuevas producciones o las muestras.

C.  Además de los desafíos de la innovación y la economía, existe el de ofrecer un entrenamiento más diverso para los bailarines, dado que las fronteras del ballet se han vuelto menos claras con respecto a la danza moderna, las artes marciales, etcétera. 

D.  Dada la mayor movilidad de los bailarines, otro desafío consiste en desarrollar la habilidad de abrir muchas puertas a lo largo de su carrera profesional.

E.  También existen desafíos para la crítica de la danza. Ha disminuido el número de puestos en los periódicos y las revistas más importantes tanto como el de los críticos freelance por todo el país, según comentó John Rockwell, editor del New York Times, a la Asociación de los Críticos de la Danza en 2003.

1. Dijo que había una gran preferencia para las notas y columnas en vez de la crítica y un interés en privilegiar a las artes populares sobre las llamadas artes altas, además de una preocupación por la creciente falta de lectores.

2. Dijo que la danza no es suficientemente macho, según algunos editores y editoriales de aquellos periódicos que no frecuentan la danza.

3. El auge del Internet tiene aspectos positivos y negativos.

F.  Desarrollar un público para la danza es un desafío.

1. Un benévolo abandono de la danza plantea el desafío de cómo resolver la indiferencia del público. Compiten diversas actividades para captar la atención de este.

Nejla Y. Yatkin dijo, “Ahora parece que el público prefiere ir al cine o mirar la tele en vez de ir a un espectáculo de danza. Con el desarrollo de la tecnología, perdemos al público y hace falta investigar cómo alcanzarlo de nuevo. Si no logramos hallar al público y atraerlo, entonces se perderá lo que conocemos como la danza“.

Hace falta la educación sobre la danza en las escuelas.

2. Las compañías de danza que intentan ganarse un público trabajan usualmente bajo limitaciones económicas, y tienden a emplear métodos tales como las loterías.

3. Desarrollar un público en el extranjero es difícil.  Por ejemplo, cuando viajé a Lahore, Pakistán, por primera vez, el Bolshoi se encontraba con serias dificultades en la preparación del teatro. La administración del Al Hamra o estaba poco dispuesto a colaborar o era ignorante. Se había llevado un piso de linóleo de Karachi para que no fuera peligroso para los bailarines.  El nuevo suelo estaba feo y cubierto de polvo.  En lugar del piano de cola que la compañía había pedido, trajeron un órgano eléctrico totalmente inadecuado. 

G.  La danza enfrenta desafíos en la academia.

1. ¿Qué debe enseñarse en la universidad?

2. Las universidades han sido refugios donde los bailarines pueden gozar de estabilidad, seguros médicos y espacios para bailar. El desafío consiste en sobrellevar las exigencias de la universidad, que siempre limita el tiempo y el espacio disponibles para la creación. 

3. ¿Cómo se puede tener una educación desde el kindergarten hasta finales de la preparatoria en todas las escuelas? Allí se enseña la danza moderna, los niños crean sus propias danzas y aprenden la historia y las cifras relevantes. El sistema de educación ofrece un taller para los bailarines, escritores e investigadores de la danza además de crear un público bien educado.

H.  La censura de las artes ocurrió en el siglo XX en partes de los EE.UU., la Unión Soviética, China y Alemania y continúa hoy día en algunos países.

1. Hoy día hay conflictos en los EE.UU. sobre la desnudez, la desnudez simulada y aquellos movimientos que simulan el sexo.

2. La década de los 60 atestiguó cambios tectónicos –nuevas actitudes sobre lo hermoso que son nuestros cuerpos con o sin ropa, moviéndose en cualquier sentido. No obstante, hay una minoría, pequeña pero fuerte, que se opone a cualquier cosa que pueda ser visto como sexual.

3. El desafío estriba en la relación entre las normas de conducta de la sociedad y el mandato artístico de innovar.

I.  Otro desafío consiste en conservar la herencia de la danza como base para la innovación sin tener que eliminar todo el repertorio menos unos cuantos clásicos puestos al día.

1. Se puede lograr esto con sistemas de anotación, con el cine y las grabaciones en video, con la tradición oral y con los museos vivos.

2. Desde que el bailarín del Ballet de la Cuidad de Nueva York, Peter Martins, se encargara de la compañía después de la muerte de Balanchine, fue criticado por deshonrar la herencia de su mentor.  Pero Martins dijo, “No se puede recrear una fantasía del pasado. La vida cambia. Los pasos están allí. El texto siempre está allí. Como los interpretan los bailarines tiene que ser la manera en que la gente se mueve hoy día. No pueden seguir moviéndose como la gente de ayer.” Indicó que Balanchine era reconocido por cambiar los pasos, adecuándolos a diversos repertorios de bailarines.  Martins preguntó, “¿Cúal es la danza autorizada?”

Otro desafío consiste en hallar un equilibrio entre lo tradicional, lo progresivo y la vanguardia.  ¿Cómo podemos honrar y conservar el pasado, abarcando a la vez a lo nuevo?

V.  Son muchos los desafíos que enfrenta la danza en el siglo XXI:  la innovación, el dinero, el entrenamiento, la promoción personal de los bailarines, las oportunidades de la crítica, el desarrollo del público, la danza en el mundo académico, la censura y la conservación de la danza.

Pero la danza siempre ha tenido desafíos, y confío que seguirá resolviéndolos exitosamente.

Pase lo que pase, todo el mundo debe seguir bailando.

Referencias:

Cohen, Selma Jeanne, ed., International Encyclopedia of Dance. New York: Oxford University Press, 1998.

Kaufman, Sarah. “For Peter Martins, Past Is No Yoke: Carrying Balanchine’s Torch Proves Vexing for the NYCB Director.” Washington Post, February 29, 2004, pp. N1, 6.

McCarthy, Kevin, Brooks, Arthur, Lowell, Julia, and Zakaras, Laura. The Performing Arts in a New Era..  Santa Monica: RAND, 2001.

McCarthy, Kevin and Jinnett, Kimberly. A New Framework for Building Participation in the Arts. Santa Monica: RAND, 2001.

Reynolds, Nancy, and McCormick, Malcolm. No Fixed Points: Dance in the Twentieth Century. New Haven: Yale University Press, 2003.